Fashion＆Art　時尚與藝術

什么時候時尚成為了藝術，而什么時候藝術變為時尚？縱觀20世紀，一直以來都有著關于這兩個詞之間其相似性的探討，它們在促進了視覺文化發展的同時也為時尚的感染性與創造性做出了貢獻。了解這一過程的重要意義可以使我們更好地體會當代時裝設計的多元性、復雜性以及和藝術的共生關系。

藝術、服裝與面料之間的關系源遠流長。它們之間有著非常廣泛的影響；例如早在19世紀80年代，美洲原始土著印第安人在他們的棉質服裝上涂滿了具有視幻效果的藝術圖案。20世紀，時裝與藝術得到了前所未有的發展，一些藝術家借助于服裝來表達或寓意人們的生活狀態與精神思想。這種跨界交融的傳承在1996年佛羅倫薩“雙年展”上達到了高潮，藝術家與服裝設計師通力合作共同探索時尚與藝術的關系。這一次有影響力的展覽給新生代的設計師與藝術家提供了一個思辨的平臺以及無窮的創作源泉，他們在不斷改良自己的設計路線，一些服裝設計師也為視覺文化傳達的發展提供了重要線索。

19世紀末，著名的時裝設計師沃斯和波萊就已經和藝術家有了很好的合作，而當時的工藝美術運動為這種著裝的激進變化也鋪平了道路，并預示著一種實用的風格將取代繁復而奢華的高級女裝風格。在這種氛圍下不斷延伸出具有當代風格的時裝，同時也為當代藝術在革新的浪潮中發揮作用提供了機會。

早期一個典型的例子如畫家及發明家馬里安諾·佛圖尼（Mariano Fortuny）嘗試了一種極為另類的服飾風格，這是一種在人體與衣料之間的探索，體現出了極簡主義藝術風格的雛形，他極富標志性的衣褶線條受到古希臘雕塑的影響。

20世紀早期，藝術家布拉克（Braque）和畢加索（Picasso）就在他們的拼貼畫創作中使用了布料，之后其他的藝術家如德肯漢姆（Duchamp）、曼·雷（Man Ray）、克里特·斯威特（Kirt Schwitters）等都如出一轍地使用了這種方法。20世紀20年代，藝術家索尼婭·德勞尼（Sonia Delaunay）傳遞了一種服裝的空間解構造型的激進設計理念，她從立體派繪畫中得到啟發并將其作為重點用于服裝的抽象結構之中，同時運用了拼縫合物的技巧加以完善，使這件衣服成為了藝術品。

對達達主義的初步探索并融合了超現實主義設計的時裝設計師伊莎·夏帕瑞麗（Elsa Schiaparelli）用藝術的手法創作面料和飾品。她創造性地試驗了一些材料如玻璃紙、塑料、玻璃并設計出俏麗而精致的帶鎖扣的腰帶、外露裝飾拉鏈以及音樂手袋皮夾等。她標志性的顏色“艷粉”即取材于藝術家克里斯汀·伯納德（Christian Berard）的作品。

高級時裝設計師查爾斯·詹姆斯（Charles James）活躍于20世紀的30～50年代，也堪稱一位跨界大師。他運用了數學原理以及絲綢材料的工藝特性將服裝的結構造型打造成具有雕塑般美感的設計，同時還將一些新型材料如人造絲等運用到設計之中。他把自己的設計看作是藝術家的作品，并由那些可置換的、精心構造的部分組合而成。

20世紀60～70年代，與青年文化思潮并進的還有藝術領域里具有嘗試性與挑戰性的活動在如火如荼地進行著。服裝設計師帕克·拉巴納（Paco Rabanne）運用新材料如紙張、塑料以及金屬在服裝上大膽嘗試，他的首個系列被命名為“十二件不可穿著的服裝”。

20世紀80年代早期，來自于日本的設計師如三本寬齋、山本耀司、川久保玲等針對人們習以為常的服裝與身體之間的認同發起了挑戰，向西方世界掀起了一場時尚風暴。這些設計師們來自于藝術與手工藝之間沒有明顯區分的國度。

川久保玲將服裝作為總體環境中的一部分來設計，這種環境指的是由消費者的生活方式以及對應的購買市場所延伸出的一種時尚氛圍，因此川久保玲精心打造的是一種時尚裝置氛圍，而不僅僅是零售終端。一些名為“可穿著的藝術”和“概念服裝”等新銳藝術活動將服裝作為一種塑型的手段進行演繹，并大量使用裝置藝術語言。

20世紀80年代中期，解構主義的代表將時尚藝術又更推進了一步。來自于比利時的設計師馬丁·馬吉里拉（Martin Margiela）和安妮·德姆萊斯特（Anne Demeulmeister）的服裝設計作品里有了革新性的設計表現。馬丁·馬吉里拉運用了俄羅斯形式主義藝術家的“一語道破”理念，即不加過多修飾的方法來嘗試服裝構建的過程。將白坯布在層層構造之時產生的造型，于服裝最終的表現效果里展露無疑。

由于概念性的設計作品以及相關形式逐漸取代了傳統形式，例如繪畫藝術與雕塑藝術的改良，因此這樣的趨勢造就了服裝上的進一步拓展。高級時裝設計師們也在行使著自己藝術家般的權力來做類似的事情。設計師三宅一生就是這樣的一個例子，他的設計不依賴于流行趨勢，在東西方文化交融的平臺上，用自己創建的新型面料和對人類著裝的理解開拓出獨有的線性以及幾何造型設計。

一直以來藝術家們很感興趣的傳統針線手工藝刺繡、絎縫補繡拼貼等，通過一定手法的結合被用于創作之中，寓意著人類豐厚的精神財富。一個顯著的例子就是麥琪·伯特（Maggie S Potter）在1978年時發布的“商標夾克”服裝設計，這件服裝完全由舊衣服的商標拼合絎縫而成。藝術家翠西·愛敏（Tracy Emin）的創作主題是借用傳統的手工藝技巧來描述其對生活細致入微的理解。一些設計師如維維安·韋斯特伍德（Vivienne Westwood）和布魯·撒菲兒·金（Blue Sapphire Gin）用自己的形象為該品牌做廣告，她們橫跨藝術、時尚、商業市場等領域并進一步影響了我們的視覺文化。

轉換這一概念對于服裝而言意味著其形態能夠由一系列可轉化的形式內容等來組成，這也一直是被持續討論的話題。

藝術家露西·奧爾塔（Lucy Orta）在針對帳篷與服裝或其他生存必備物品之間進行探索時所產生的理解，在形態上極大地影響了時裝設計師胡賽因·卡拉揚（Hussein Chalayan）后來在諸如家具、服裝以及建筑上跨學科的實驗性設計研究。

當代藝術與時尚有很多密切的聯系以至于很難將它們分開。廣告中的藝術表現以及服裝中汲取藝術成分的設計都不斷打造出越來越成熟的時尚消費者，這些推動時尚的消費者的購買力有時也直接作用于整個設計推進過程。

“現代藝術的新景象是魅力與時尚并存，這非常吻合時代的精神。”——馬修·柯林斯（Mathew Collings）《當代藝術》